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Gerhard Steidl began working as a designer and printer in 1967, when he was just 17 years old. On the occasion of an Andy Warhol exhibition in Cologne the following year, Steidl approached the artist. Fascinated by the intensity and saturated colours of Warhol’s work, Steidl asked about his silkscreen printing technique. Giddily he returned to his hometown of Göttingen, two hours north of Frankfurt, and set up his first printing studio, following the principle of “learning by doing”.
(...)
“In many ways the late Joseph Beuys was my teacher. From 1972 until his death, I produced most of his multiples and prints. He helped to sharpen my awareness of unusual materials and to create, if they were handled with meticulous care and attention to detail, moving works of art. Ever since, I have sought the challenge and thrill of working with unconventional materials and techniques in order to create objects surpassing the realm of mere mass production”.
In 1972, the first Steidl book, “Befragung zur documenta” (“Questioning documenta”) was published. From 1974, Steidl added political non-fiction to his program. In the early 1980s, he expanded into literature and selected art and photography books, and in 1989, he published his first paperback editions.
(...)
“All our books are designed and produced under the same roof. These days, very few publishers run their own printing presses”, says Steidl. “I, however, firmly believe in this noble tradition, as it enables me to follow and oversee every aspect of a book, from the artist’s initial idea to the final product. Thus, I can ensure a quality standard that would otherwise remain elusive.” [Ler mais...]
Download catalogue 2012: http://www.steidlville.com/catalogue/Steidl_SS12.pdf
Artists list: http://www.steidlville.com/artists/
fonte: http://www.steidlville.com/aboutus/
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31/01/2012
Walker Art Center
The Walker Art Center is a catalyst for the creative expression of artists and the active engagement of audiences. Focusing on the visual, performing, and media arts of our time, the Walker takes a global, multidisciplinary, and diverse approach to the creation, presentation, interpretation, collection, and preservation of art. Walker programs examine the questions that shape and inspire us as individuals, cultures, and communities.
fonte: http://www.walkerart.org/
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30/01/2012
MyDesignShop.com
Whether you are fresh from school, a veteran, a freelancer, or an in-house designer you will discover MyDesignShop.com to be your best place to go to for the resources you will use every day. Through HOW Magazine, Print Magazine, and MyDesignShop.com, we provide unparalleled information and guides. You will find the latest information on design trends, elements, exercises, and instruction, along with designers’ favorite products and accessories. We are dedicated to offering you the best products and services for your graphic design needs.
Browse and shop now, and don’t forget to register for our newsletter to receive exclusive offers and discounts. Be sure to visit our sister sites, HOWDesign.com, PrintMag.com IDonline.com for more inspiration and information on graphic design.
MyDesignShop.com is brought to you by F+W Media, Inc., publishers of quality hobby and enthusiast books. Have fun browsing and come back often!
fonte: http://www.mydesignshop.com/
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29/01/2012
Publicidade e Consumação nas Sociedades Contemporâneas
Publicidade e Consumação nas Sociedades Contemporâneas
por Samuel Mateus
Colecção: Estudos em Comunicação
Ano de edição: 2011
ISBN: 978-989-654-069-2
Sinopse
Já presente na antiguidade clássica, a publicidade - entendida como qualidade daquilo que é público e colectivamente mobilizador - continua a ser um conceito central das sociedades. A reflexão que agora se divulga procura avaliar as suas mutações contemporâneas a partir do seu projecto dramático-expressivo, e estrutura-se em dois momentos. O primeiro tem por referência um entendimento genealógico da categoria de publicidade. São identificados vários modelos históricos de compreensão da publicidade culminando com uma interpretação estético-figuracional das práticas sociais hodiernas. O segundo momento, desenvolvendo um dos elementos principais da figurabilidade pública, relaciona a publicidade com a lógica social do consumo. A abordagem sócio-antropológica do consumo retira-lhe o pendor económico e coloca-o no âmago das sociabilidades enquanto consumação: uma forma comunicativa caracterizada por uma acção material que empenha simbolicamente o indivíduo na reprodução do vínculo social. A consumação interpela publicamente o individual a inscrever-se no colectivo funcionando como uma força centrípeta que fornece ao indivíduo um modo de reconhecimento da pertença.
Em ambos os momentos - na publicidade figurativa e na consumação - estamos perante uma acção simbólica promotora de integração social que reflecte o ímpar dinamismo dos processos sociais contemporâneos.
[Download PDF - 938 KB]
fonte: http://www.livroslabcom.ubi.pt/livro.php?l=25
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por Samuel Mateus
Colecção: Estudos em Comunicação
Ano de edição: 2011
ISBN: 978-989-654-069-2
Sinopse
Já presente na antiguidade clássica, a publicidade - entendida como qualidade daquilo que é público e colectivamente mobilizador - continua a ser um conceito central das sociedades. A reflexão que agora se divulga procura avaliar as suas mutações contemporâneas a partir do seu projecto dramático-expressivo, e estrutura-se em dois momentos. O primeiro tem por referência um entendimento genealógico da categoria de publicidade. São identificados vários modelos históricos de compreensão da publicidade culminando com uma interpretação estético-figuracional das práticas sociais hodiernas. O segundo momento, desenvolvendo um dos elementos principais da figurabilidade pública, relaciona a publicidade com a lógica social do consumo. A abordagem sócio-antropológica do consumo retira-lhe o pendor económico e coloca-o no âmago das sociabilidades enquanto consumação: uma forma comunicativa caracterizada por uma acção material que empenha simbolicamente o indivíduo na reprodução do vínculo social. A consumação interpela publicamente o individual a inscrever-se no colectivo funcionando como uma força centrípeta que fornece ao indivíduo um modo de reconhecimento da pertença.
Em ambos os momentos - na publicidade figurativa e na consumação - estamos perante uma acção simbólica promotora de integração social que reflecte o ímpar dinamismo dos processos sociais contemporâneos.
[Download PDF - 938 KB]
fonte: http://www.livroslabcom.ubi.pt/livro.php?l=25
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19/01/2012
Designer Index _PRINT
THE REGIONAL DESIGN ANNUAL, now in its 30th year, is the most comprehensive survey of graphic design in the United States, and the only design competition organized by geography. Select the region below to begin browsing 2010 winning entries. Check back soon for the 2011 Winners!
Designer Index
fonte: http://regionaldesignannual.printmag.com/
Designer Index
fonte: http://regionaldesignannual.printmag.com/
10/12/2011
Fundação Oriente
Bolsas de Investigação e Doutoramento
Objectivos
A Fundação Oriente concede bolsas de estudo para a realização de teses de doutoramento e de trabalhos de investigação em temas que relacionem o Extremo Oriente e Portugal nas áreas das ciências sociais e humanas e em temáticas relacionadas com as colecções do Museu do Oriente, designadamente com os núcleos de instrumentos musicais asiáticas e de teatro de sombras da Índia. (...)
Os concursos de bolsas para frequência de cursos anuais de aperfeiçoamento de língua e cultura portuguesas e de línguas e culturas orientais, doutoramento e investigação têm lugar em Janeiro para bolsas a usufruir no ano lectivo imediato.
Para mais informações: http://www.foriente.pt/
Objectivos
A Fundação Oriente concede bolsas de estudo para a realização de teses de doutoramento e de trabalhos de investigação em temas que relacionem o Extremo Oriente e Portugal nas áreas das ciências sociais e humanas e em temáticas relacionadas com as colecções do Museu do Oriente, designadamente com os núcleos de instrumentos musicais asiáticas e de teatro de sombras da Índia. (...)
Os concursos de bolsas para frequência de cursos anuais de aperfeiçoamento de língua e cultura portuguesas e de línguas e culturas orientais, doutoramento e investigação têm lugar em Janeiro para bolsas a usufruir no ano lectivo imediato.
Para mais informações: http://www.foriente.pt/
09/01/2011
ffunction inc.
DATA VISUALIZATION — HOW TO POSITION
YOUR COMPANY IN DIGITAL MARKETING
Twitter and Facebook have become essential tools for adding a social dimension to current com-munication strategies. More and more marketers use social media as an integral part of their digital strategy to the point that it has even become indispensible.
If interactivity and personalised communication are key elements of these new marketing forms,
the message itself still needs to be further developed: in a world where we are all bombarded
by information, targeted by mass media and social networks, what can we do to make our
message heard?
Through examples and case studies, you will learn, in the course of this brief article, how to give a new dimension to your communication in a way that draws attention to the information you want to convey.
fonte: http://ffctn.com/doc/ffunction-data_visualization-2010.pdf
YOUR COMPANY IN DIGITAL MARKETING
Twitter and Facebook have become essential tools for adding a social dimension to current com-munication strategies. More and more marketers use social media as an integral part of their digital strategy to the point that it has even become indispensible.
If interactivity and personalised communication are key elements of these new marketing forms,
the message itself still needs to be further developed: in a world where we are all bombarded
by information, targeted by mass media and social networks, what can we do to make our
message heard?
Through examples and case studies, you will learn, in the course of this brief article, how to give a new dimension to your communication in a way that draws attention to the information you want to convey.
fonte: http://ffctn.com/doc/ffunction-data_visualization-2010.pdf
07/01/2011
Future of Web Design
The Future of Web Design is coming back to London in 2011. Following on from the success of last year we will be bringing you a beautiful three full days of essential web learning. Not only that, we are also back at The Brewery for the conference where you will have two tracks to choose from! If you have any question about this year’s event you can contact Cat, our Future of Web Design Event Producer.
fonte: http://futureofwebdesign.com/london-2011/
fonte: http://futureofwebdesign.com/london-2011/
03/01/2011
Edward Tufte
Edward Tufte has written seven books, including Beautiful Evidence, Visual Explanations, Envisioning Information, The Visual Display of Quantitative Information, and Data Analysis for Politics and Policy. He writes, designs, and self-publishes his books on analytical design, which have received more than 40 awards for content and design. He is Professor Emeritus at Yale University, where he taught courses in statistical evidence, information design, and interface design. His current work includes landscape sculpture, printmaking, video and a new book.
fonte: http://www.edwardtufte.com/tufte/index
fonte: http://www.edwardtufte.com/tufte/index
20/09/2010
Gwangju Biennale
Founded in 1995 in memory of spirits of civil uprising of the 1980 repression of the Gwangju Democratization Movement, the Gwangju Biennale is Asia's oldest and most prestigious biennial of contemporary art. Under the helm of previous curators that include Kerry Brougher, Sukwon Chang, Okwui Enwezor, Charles Esche, Hou Hanru, Honghee Kim, Yongwoo Lee, Youngchul Lee, Kwangsoo Oh, Wankyoung Sung, and Harald Szeemann, the Gwangju Biennale has established itself as a highlight of the international contemporary art biennale circuit.
Centered on the Biennale Hall in Gwangju’s Jungoui Park, the presence has elevated the city of 1.4 million to become a cultural hub of East Asia. It is home to some of the best-preserved cultural relics in the nation, and is known locally as the “City of Art, Cuisine and Culture.”
Previous editions of Biennales went under the titles Beyond the borders(1995), Unmapping the Earth(1997), Man +Space(2000), Pause(2002), A Grain of Dust, A Drop of Water(2004), Fever Variations(2006) and Annual Report : A year in Exhibitions(2008)
fonte: http://www.gb.or.kr/?mid=main_eng
Centered on the Biennale Hall in Gwangju’s Jungoui Park, the presence has elevated the city of 1.4 million to become a cultural hub of East Asia. It is home to some of the best-preserved cultural relics in the nation, and is known locally as the “City of Art, Cuisine and Culture.”
Previous editions of Biennales went under the titles Beyond the borders(1995), Unmapping the Earth(1997), Man +Space(2000), Pause(2002), A Grain of Dust, A Drop of Water(2004), Fever Variations(2006) and Annual Report : A year in Exhibitions(2008)
fonte: http://www.gb.or.kr/?mid=main_eng
17/09/2010
ESTAL
ESCOLA SUPERIOR DE TECNOLOGIAS E ARTES DE LISBOA
Ensino Superior _20 ANOS DE ENSINO
A oferta formativa/educativa disponível na ESTAL desenvolve-se em diversos níveis, entre cursos que conferem grau académico e outros que o não conferem, segundo a legislação em vigor. Todos os cursos ministrados conferem, no entanto, a atribuição de ECTS (European Credit Transfer System), de acordo com o Regulamento de Aplicação do Sistema de Créditos Curriculares, acessível neste sítio em ESTAL_legislação.
LICENCIATURAS: Artes Performativas; Conservação e Restauro; Design de Comunicação; Engenharia Informática; Engenharia de Produção Industrial
PÓS-GRADUAÇÕES: Webdesign; Design de Embalagem; Conservação e Restauro
fonte: http://estal.pt/site/
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Ensino Superior _20 ANOS DE ENSINO
A oferta formativa/educativa disponível na ESTAL desenvolve-se em diversos níveis, entre cursos que conferem grau académico e outros que o não conferem, segundo a legislação em vigor. Todos os cursos ministrados conferem, no entanto, a atribuição de ECTS (European Credit Transfer System), de acordo com o Regulamento de Aplicação do Sistema de Créditos Curriculares, acessível neste sítio em ESTAL_legislação.
LICENCIATURAS: Artes Performativas; Conservação e Restauro; Design de Comunicação; Engenharia Informática; Engenharia de Produção Industrial
PÓS-GRADUAÇÕES: Webdesign; Design de Embalagem; Conservação e Restauro
fonte: http://estal.pt/site/
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20/08/2010
FBAUL
Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa
Faculty of Fine Arts of the University of Lisbon
A Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa é a escola superior de ensino artístico mais antiga de Portugal. Com raízes na Academia de Belas-Artes fundada em 1836, a Faculdade de Belas-Artes tem vindo a transformar-se numa escola de ensino artístico vinculada à arte e ao design contemporâneos, com a permanente preocupação de ocupar um lugar actuante na cultura dos nossos dias.
A sua localização no centro histórico da cidade – no Convento de S. Francisco ao Chiado –, a que pertence também o pólo de afirmação da modernidade em Lisboa desde o século XIX, corresponde fielmente ao espírito que a Faculdade de Belas-Artes pretende materializar: desenvolver uma cultura artística atenta ao nosso tempo e implementar competências artísticas e de investigação nos campos da arte e do design que respondam aos desafios que a circulação globalizada do saber hoje requer.
fonte: http://www.fba.ul.pt
Faculty of Fine Arts of the University of Lisbon
A Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa é a escola superior de ensino artístico mais antiga de Portugal. Com raízes na Academia de Belas-Artes fundada em 1836, a Faculdade de Belas-Artes tem vindo a transformar-se numa escola de ensino artístico vinculada à arte e ao design contemporâneos, com a permanente preocupação de ocupar um lugar actuante na cultura dos nossos dias.
A sua localização no centro histórico da cidade – no Convento de S. Francisco ao Chiado –, a que pertence também o pólo de afirmação da modernidade em Lisboa desde o século XIX, corresponde fielmente ao espírito que a Faculdade de Belas-Artes pretende materializar: desenvolver uma cultura artística atenta ao nosso tempo e implementar competências artísticas e de investigação nos campos da arte e do design que respondam aos desafios que a circulação globalizada do saber hoje requer.
fonte: http://www.fba.ul.pt
20/07/2010
FBAUP
Faculdade de Belas Artes, Universidade do Porto
Situada na zona oriental da cidade do Porto, a alguns minutos do centro histórico, a Faculdade de Belas-Artes ocupa um antigo palacete do século XIX em cujos jardins se construíram, nos anos 50, edifícios de interesse arquitectónico, especialmente concebidos para o ensino das disciplinas tradicionais das Belas-Artes.
Os candidatos à Faculdade de Belas Artes podem escolher entre licenciaturas de Pintura, Escultura e Design de Comunicação, com a duração de cinco anos. Todos os cursos mantêm uma forte componente de formação básica de Desenho e História da Arte, segundo o modelo tradicional do ensino das Belas-Artes. Contudo, as reformas curriculares efectuadas ao longo dos anos, têm contemplado a actualização de técnicas e métodos de ensino, assegurando assim, igualmente, uma formação em sintonia com as exigências da situação artística contemporânea. O trabalho desenvolvido pelos docentes é frequentemente complementado com a presença de convidados: artistas plásticos, designers, críticos de arte, galeristas, ou outros profissionais com uma contribuição a dar na formação de jovens artistas. Visitas de estudo e workshops constituem igualmente um elemento importante das actividades escolares.
A nível dos estudos de pós-graduação a FBAUP oferece um mestrado em Arte e Multimédia e ainda mestrado em Teorias da Arte e Comunicação com especialização nas áreas de Teoria da Pintura, Teoria da Escultura e Teoria do Design. Elementos do corpo docente orientam ou co-orientam doutoramentos em Pintura, Escultura, Desenho, Design de Comunicação e Ciências da Arte e Geometria.
Desde a sua fundação, em 1836, a Academia de Belas Artes manteve uma política de atribuição de bolsas no estrangeiro aos melhores alunos, que tradicionalmente se encaminhavam para Paris e Roma e enviavam regularmente exemplos do seu trabalho conservados, até hoje, na colecção do Museu da FBAUP. Actualmente, o intercâmbio entre instituições de ensino artístico europeias e a Faculdade de Belas Artes é intenso e continua a crescer tanto ao nível da mobilidade de estudantes como do intercâmbio de professores.
fonte: http://www.fba.up.pt/
Situada na zona oriental da cidade do Porto, a alguns minutos do centro histórico, a Faculdade de Belas-Artes ocupa um antigo palacete do século XIX em cujos jardins se construíram, nos anos 50, edifícios de interesse arquitectónico, especialmente concebidos para o ensino das disciplinas tradicionais das Belas-Artes.
Os candidatos à Faculdade de Belas Artes podem escolher entre licenciaturas de Pintura, Escultura e Design de Comunicação, com a duração de cinco anos. Todos os cursos mantêm uma forte componente de formação básica de Desenho e História da Arte, segundo o modelo tradicional do ensino das Belas-Artes. Contudo, as reformas curriculares efectuadas ao longo dos anos, têm contemplado a actualização de técnicas e métodos de ensino, assegurando assim, igualmente, uma formação em sintonia com as exigências da situação artística contemporânea. O trabalho desenvolvido pelos docentes é frequentemente complementado com a presença de convidados: artistas plásticos, designers, críticos de arte, galeristas, ou outros profissionais com uma contribuição a dar na formação de jovens artistas. Visitas de estudo e workshops constituem igualmente um elemento importante das actividades escolares.
A nível dos estudos de pós-graduação a FBAUP oferece um mestrado em Arte e Multimédia e ainda mestrado em Teorias da Arte e Comunicação com especialização nas áreas de Teoria da Pintura, Teoria da Escultura e Teoria do Design. Elementos do corpo docente orientam ou co-orientam doutoramentos em Pintura, Escultura, Desenho, Design de Comunicação e Ciências da Arte e Geometria.
Desde a sua fundação, em 1836, a Academia de Belas Artes manteve uma política de atribuição de bolsas no estrangeiro aos melhores alunos, que tradicionalmente se encaminhavam para Paris e Roma e enviavam regularmente exemplos do seu trabalho conservados, até hoje, na colecção do Museu da FBAUP. Actualmente, o intercâmbio entre instituições de ensino artístico europeias e a Faculdade de Belas Artes é intenso e continua a crescer tanto ao nível da mobilidade de estudantes como do intercâmbio de professores.
fonte: http://www.fba.up.pt/
20/06/2010
FAUTL
Faculdade de Arquitectura da Universidade Técnica de Lisboa
A Faculdade de Arquitectura da Universidade Técnica de Lisboa após a aprovação e entrada em vigor de todos os diplomas legais que transformaram a vida da Universidade Portuguesa, inicia um novo ciclo.
A mais antiga instituição Portuguesa a ensinar arquitectura é a legatária do ensino desta disciplina e das artes deste o Século XVI até hoje, tempo passado pela Real academia de Belas Artes e pela Escola superior de Belas Artes até integrar a Universidade Técnica como Faculdade de Arquitectura.
Assumimo-nos hoje como a maior e mais prestigiada escola deste ramo do saber no nosso país e como aquela que mais estudantes estrangeiros recebe de todo o mundo, para participar nos nossos cursos nos diversos graus de ensino que ministramos.
fonte: http://www.fa.utl.pt/
A Faculdade de Arquitectura da Universidade Técnica de Lisboa após a aprovação e entrada em vigor de todos os diplomas legais que transformaram a vida da Universidade Portuguesa, inicia um novo ciclo.
A mais antiga instituição Portuguesa a ensinar arquitectura é a legatária do ensino desta disciplina e das artes deste o Século XVI até hoje, tempo passado pela Real academia de Belas Artes e pela Escola superior de Belas Artes até integrar a Universidade Técnica como Faculdade de Arquitectura.
Assumimo-nos hoje como a maior e mais prestigiada escola deste ramo do saber no nosso país e como aquela que mais estudantes estrangeiros recebe de todo o mundo, para participar nos nossos cursos nos diversos graus de ensino que ministramos.
fonte: http://www.fa.utl.pt/
21/05/2010
Warhol Foundation
THE ANDY WARHOL FOUNDATION FOR THE VISUAL ARTS
Andy Warhol was born Andrew Warhola in Pittsburgh, Pennsylvania, in 1928. In 1945 he entered the Carnegie Institute of Technology (now Carnegie Mellon University) where he majored in pictorial design. Upon graduation, Warhol moved to New York where he found steady work as a commercial artist. He worked as an illustrator for several magazines, including Vogue, Harper's Bazaar and The New Yorker and did advertising and window displays for retail stores such as Bonwit Teller and I. Miller. Prophetically, his first assignment was for Glamour magazine for an article titled "Success is a Job in New York."
Throughout the 1950s, Warhol enjoyed a successful career as a commercial artist, winning several commendations from the Art Director's Club and the American Institute of Graphic Arts. In these early years, he shortened his name to "Warhol." In 1952, the artist had his first individual show at the Hugo Gallery, exhibiting Fifteen Drawings Based on the Writings of Truman Capote. His work was exhibited in several other venues during the 1950s, including his first group show at The Museum of Modern Art in 1956.
fonte: http://www.warholfoundation.org/
Andy Warhol was born Andrew Warhola in Pittsburgh, Pennsylvania, in 1928. In 1945 he entered the Carnegie Institute of Technology (now Carnegie Mellon University) where he majored in pictorial design. Upon graduation, Warhol moved to New York where he found steady work as a commercial artist. He worked as an illustrator for several magazines, including Vogue, Harper's Bazaar and The New Yorker and did advertising and window displays for retail stores such as Bonwit Teller and I. Miller. Prophetically, his first assignment was for Glamour magazine for an article titled "Success is a Job in New York."
Throughout the 1950s, Warhol enjoyed a successful career as a commercial artist, winning several commendations from the Art Director's Club and the American Institute of Graphic Arts. In these early years, he shortened his name to "Warhol." In 1952, the artist had his first individual show at the Hugo Gallery, exhibiting Fifteen Drawings Based on the Writings of Truman Capote. His work was exhibited in several other venues during the 1950s, including his first group show at The Museum of Modern Art in 1956.
fonte: http://www.warholfoundation.org/
11/04/2010
The Firehouse Center for the Visual Arts (FCVA)
The Firehouse Center for the Visual Arts (FCVA) provides visitors with a fully-integrated arts experience through contemporary exhibitions and educational programming informed by the work in the Firehouse Gallery. The FCVA includes a community darkroom and photography studio; artist-in-residence studio; multimedia conference facility for lectures, film series, and panel discussions; and Resource Room and Library with public meeting space and Internet access. Burlington City Arts (BCA) opened all five floors of the building in 2004 after an extensive historic renovation, and has yet to complete the $3.5 million capital campaign.
The Firehouse Center for the Visual Arts is programmed and managed by Burlington City Arts.
fonte: http://www.burlingtoncityarts.com/
The Firehouse Center for the Visual Arts is programmed and managed by Burlington City Arts.
fonte: http://www.burlingtoncityarts.com/
16/02/2010
Internet History Sourcebooks Project
Paul Halsall, editor
The Internet History Sourcebooks Project is a collection of public domain and copy-permitted historical texts presented cleanly (without advertising or excessive layout) for educational use.
The Internet History Sourcebooks Project is a collection of public domain and copy-permitted historical texts presented cleanly (without advertising or excessive layout) for educational use.
01/01/2010
ColorAdd®
"O código representa a autonomia dos daltónicos"
Miguel Neiva, designer
ColorAdd é marca registada.
Este projecto está protegido na íntegra ao nível dos direitos de autores e propriedade industrial.
Projecto base desenvolvido pelo designer Miguel Neiva, como tese de dissertação de mestrado para a Universidade do Minho em Outubro de 2008.
fonte: www.coloradd.net
Miguel Neiva, designer
ColorAdd é marca registada.
Este projecto está protegido na íntegra ao nível dos direitos de autores e propriedade industrial.
Projecto base desenvolvido pelo designer Miguel Neiva, como tese de dissertação de mestrado para a Universidade do Minho em Outubro de 2008.
fonte: www.coloradd.net
14/12/2009
Kohei Sugiura
fonte: designboom
21/10/2009
Who Are Steven Heller?
Master Series
The first book I ever owned was a gift from my Uncle Al: Tom Swift and His Motor Boat, by Victor Appleton. The second book I bought myself: Tom Swift and His Motorcycle, by the same author. Over time I added Tom Swift and His Electric Rifle, soon followed by Tom Swift and His War Tank, and then His Submarine, His Airship, His Giant Telescope, and others—all allegedly written by the same man. Marveling at his prolificacy, I wondered how one author could write so many books: Who was Victor Appleton? I was an adult by the time I learned that Victor Appleton was not one man but many, a name owned by a syndicate and assigned, along with the plot lines, to a legion of ghostwriters. [Ler mais...]
Download Exhibit Catalog
The first book I ever owned was a gift from my Uncle Al: Tom Swift and His Motor Boat, by Victor Appleton. The second book I bought myself: Tom Swift and His Motorcycle, by the same author. Over time I added Tom Swift and His Electric Rifle, soon followed by Tom Swift and His War Tank, and then His Submarine, His Airship, His Giant Telescope, and others—all allegedly written by the same man. Marveling at his prolificacy, I wondered how one author could write so many books: Who was Victor Appleton? I was an adult by the time I learned that Victor Appleton was not one man but many, a name owned by a syndicate and assigned, along with the plot lines, to a legion of ghostwriters. [Ler mais...]
Download Exhibit Catalog
29/07/2009
08/06/2009
e-vai
e-vai é o portal de uma comunidade amante das artes, encontra-se disponível em www.e-vai.net e é de consulta aberta
é um canal de diálogo para troca de informações, experiências, opiniões e ideias de forma totalmente livre, sem sujeição a qualquer poder, nem dependência de ordem ideológica, política ou económica
privilegia o debate entre membros, mas não aceita o uso do insulto pessoal, do recurso a vocabulário impróprio, da mentira e da violação da privacidade
consideram-se membros desta comunidade todos quantos se encontram registados, por sua iniciativa ou por proposta de qualquer um dos membros
o e-vai não é um órgão de comunicação social
é um canal de diálogo para troca de informações, experiências, opiniões e ideias de forma totalmente livre, sem sujeição a qualquer poder, nem dependência de ordem ideológica, política ou económica
privilegia o debate entre membros, mas não aceita o uso do insulto pessoal, do recurso a vocabulário impróprio, da mentira e da violação da privacidade
consideram-se membros desta comunidade todos quantos se encontram registados, por sua iniciativa ou por proposta de qualquer um dos membros
o e-vai não é um órgão de comunicação social
31/05/2009
30/05/2009
DGLB
A Direcção-Geral do Livro e das Bibliotecas, organismo do Ministério da Cultura, foi criada pelo Decreto-Lei nº 92/2007, de 29 de Março, e pela Portaria nº 371/2007, de 30 de Março, com vista a assegurar a coordenação e a execução da política integrada do livro não escolar, das bibliotecas e da leitura.
Sítios úteis
Do extraordinário universo do livro, seleccionámos alguns dos mais pertinentes e originais sítios, blogues e páginas web que agrupámos nos seguintes tópicos:
Do extraordinário universo do livro, seleccionámos alguns dos mais pertinentes e originais sítios, blogues e páginas web que agrupámos nos seguintes tópicos:
ARTES GRÁFICAS E TIPOGRÁFICAS (...)
Nesta página para além de referenciarmos alguns dos mais interessantes sítios sobre artes gráficas, destacamos a relação design gráfico-alfabeto e coligimos os mais importantes sítios sobre conservação e restauro.
Os sítios e blogues disponíveis na Internet sobre artes gráficas são tão criativos e originais quanto seria de esperar e dada a quantidade e a qualidade de informação que disponibilizam, são também muito instrutivos. São também muitos. Consulte, a título de exemplo os quatro blogues da autoria da especialista La Salete de Sousa [...] que os concebe como uma compilação de vários artigos de diferentes autores: Design de Comunicação, Glossário Tipográfico, Tipografia em Portugal e Tipografias.
Nesta página para além de referenciarmos alguns dos mais interessantes sítios sobre artes gráficas, destacamos a relação alfabeto – design gráfico e coligimos os mais importantes sítios sobre conservação e restauro.
Assim, em Portugal aconselhamos a consulta dos sitios:
Tipografia, o sítio do especialista português Paulo Heitlinger (professor na Universidade do Algarve), é provavelmente o sítio que mais informação sistematizada disponibiliza sobre artes gráficas e tipográficas, tanto de natureza prática, como técnica e teórica, incluindo um glossário e notas sobre a história da tipografia.
O Portal das Artes Gráficas de Rui Sebrosa, há 10 anos online, constitui uma referência no âmbito da indústria gráfica (50 000 acessos mensais) oferecendo essencialmente informação e ferramentas úteis.
The Ressabiator, o sítio sobre design gráfico de Mário Moura, professor (teoria da imagem, tipografia,book design) da Escola de Belas Artes do Porto.
Em outras línguas, nomeadamente em inglês, sugerimos os sítios Fonts sobre fontes tipográficas e tipos de letra e Identifont sobre identificação de fontes. Fontself é um sítio especializado em criação de fontes personalizadas e em reconstrução. Garabatitos, o blogue do designer gráfico chileno Juan Pablo de Gregório e Francisca Reis ensina-nos quinze dicas para seleccionar um tipo de letra (versão inglesa no blogue Typies).
23/05/2009
How higher prices can strengthen your brand: Six strategies for boosting sales
James Cockerille
Director, Brand Strategy
Retail margins have shriveled.
Wallets have tightened.
Channels are now competing with manufacturers for sales.
Maintaining high prices in this climate is already difficult. Raising them may seem absurd. But consider the potential damage if these trends are not reversed. After post-Christmas sales in the United States last year reached lows of 90 percent off, retail experts speculated that it could take a decade for New York City consumers to consider paying full price again.(1) If you’re a retailer or manufacturer, this is a doomsday scenario. [Ler mais...]
Director, Brand Strategy
Retail margins have shriveled.
Wallets have tightened.
Channels are now competing with manufacturers for sales.
Maintaining high prices in this climate is already difficult. Raising them may seem absurd. But consider the potential damage if these trends are not reversed. After post-Christmas sales in the United States last year reached lows of 90 percent off, retail experts speculated that it could take a decade for New York City consumers to consider paying full price again.(1) If you’re a retailer or manufacturer, this is a doomsday scenario. [Ler mais...]
08/05/2009
La Fondation Derouin
La Fondation Derouin est située à Val-David, dans les Laurentides au nord de Montréal, lieu de résidence et de travail de l'artiste René Derouin.
Fondée en 1995, lors de la tenue d'un premier symposium international, la Fondation Derouin est un organisme sans but lucratif dont la mission est de:
· réaliser des rencontres en art sur une base thématique, privilégiant un art d'intégration sociale et les rapports avec le public;
· accueillir des artistes en arts visuels provenant des trois Amériques, favorisant le dialogue et les échanges artistiques Nord-Sud.
La Fondation organise annuellement, dans la mesure où ses fonds le permettent, un symposium culturel majeur où s'entremêlent performances d'artistes, concerts, oeuvres in situ, expositions et conférences sur l'art, l'histoire et la nature. Elle propose une approche interdisciplinaire où les arts visuels, en interrelation avec d'autres disciplines dont la musique et la poésie, constituent l'élément principal de sa programmation.
La Fondation Derouin contribue, par ses activités et son rayonnement, au développement culturel et touristique de Val-David et de la région des Laurentides.
Fondée en 1995, lors de la tenue d'un premier symposium international, la Fondation Derouin est un organisme sans but lucratif dont la mission est de:
· réaliser des rencontres en art sur une base thématique, privilégiant un art d'intégration sociale et les rapports avec le public;
· accueillir des artistes en arts visuels provenant des trois Amériques, favorisant le dialogue et les échanges artistiques Nord-Sud.
La Fondation organise annuellement, dans la mesure où ses fonds le permettent, un symposium culturel majeur où s'entremêlent performances d'artistes, concerts, oeuvres in situ, expositions et conférences sur l'art, l'histoire et la nature. Elle propose une approche interdisciplinaire où les arts visuels, en interrelation avec d'autres disciplines dont la musique et la poésie, constituent l'élément principal de sa programmation.
La Fondation Derouin contribue, par ses activités et son rayonnement, au développement culturel et touristique de Val-David et de la région des Laurentides.
24/04/2009
WDL _Biblioteca Digital Mundial
A Biblioteca Digital Mundial disponibiliza na Internet, gratuitamente e em formato multilíngue, importantes fontes provenientes de países e culturas de todo o mundo.
Os principais objetivos da Biblioteca Digital Mundial são:
Promover a compreensão internacional e intercultural;
Expandir o volume e a variedade de conteúdo cultural na Internet;
Fornecer recursos para educadores, acadêmicos e o público em geral;
Desenvolver capacidades em instituições parceiras, a fim de reduzir a lacuna digital dentro dos e entre os países.
Os principais objetivos da Biblioteca Digital Mundial são:
Promover a compreensão internacional e intercultural;
Expandir o volume e a variedade de conteúdo cultural na Internet;
Fornecer recursos para educadores, acadêmicos e o público em geral;
Desenvolver capacidades em instituições parceiras, a fim de reduzir a lacuna digital dentro dos e entre os países.
23/04/2009
19/04/2009
Open Directory Project
L'Open Directory Project est le plus grand et le plus complet des répertoires du Web édités par des êtres humains. Il est développé et maintenu par une vaste communauté mondiale d'éditeurs bénévoles.
O Open Directory Project é o mais amplo e abrangente diretório da web editado por humanos. Ele é construído e mantido por uma vasta comunidade global de editores voluntários.
O Open Directory Project é o mais amplo e abrangente diretório da web editado por humanos. Ele é construído e mantido por uma vasta comunidade global de editores voluntários.
22/03/2009
Served
WHAT IS SERVED? The Served sites bring you a steady supply of top quality creative work, with each site streaming fresh projects in specific categories (e.g. fashion, industrial design, photography...). To deliver this work to you, we comb through projects from the portfolios of the most talented creative people and teams around the world. We then serve up the best of what we find -at each of the Served sites, and in our weekly and monthly Served emails.
> Also Serving > Gallery > Fresh works from leading creative professionals
Typography
Motion Graphics
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Typography
Motion Graphics
21/03/2009
Norberto Chaves
Qué era, qué es y qué no es el diseño.
Intentando dispersar la bruma.
Ha transcurrido ya casi un siglo desde que se acuñara el término “diseño” para denominar a esa entonces nueva
práctica productiva. A lo largo de ese período, el diseño ha ido sufriendo una serie de transformaciones que han
incidido en la modificación de su propio concepto. Debido a ese dinamismo de cambio, también se ha ido generando
una serie de errores de definición, agravados por los usos abusivos del término “diseño”.
En un intento de ordenar las ideas podríamos comparar, a vuelo de pájaro, los significados que cobrara la palabra
diseño en sus orígenes, el alcance que ha cobrado hoy y las definiciones parciales, insuficientes o decididamente
erróneas actualmente más frecuentes.
Para realizar esa tarea en el pequeño espacio de que disponemos debemos producir una síntesis, reducir cada
fenómeno analizado a su mínima expresión, sin mutilar la captación de su realidad sino, al revés, poniendo a la
vista sus rasgos esenciales.
Comencemos por el principio.
Qué era el diseño
El diseño no nace como una “disciplina” sino como un puro instrumento de algo mucho más ambicioso: Una
revolución en los estilos de vida.
El diseño aparece en el seno de una intensa actividad ideológica que cuestiona la herencia ecléctica del fin del
siglo XIX y la concepción burguesa, tardía y decadente, del hábitat.
La lucha por poner el ámbito de la vida cotidiana en concordancia con las conquistas materiales de la sociedad
industrial, o sea su “modernización”, fue el eje, generalmente explícicto, de todas las corrientes transformadoras
desarrolladas en las primeras décadas del XX: Funcionalismo, racionalismo, constructivismo, neoplasticismo,
futurismo. A grosso modo, para englobar, podríamos hablar del “movimiento moderno”, no tanto por los contenidos
históricos de éste como por la amplitud semántica de su denominación.
Por consiguiente, el diseño aparece como un puro instrumento: El espacio productivo en el que se formula aquel
nuevo estilo de vida, se explicitan sus nuevos programas, se crean los correspondientes nuevos lenguajes y se prefigura
el nuevo hábitat y todos su componentes.
Dicho sintéticamente: El diseño era el taller de la nueva cultura. Nace, por lo tanto, impregnado de ideología,
acompañado por manifiestos que aspiraban a resolver la nueva articulación entre usos, técnicas productivas, contenidos
simbólicos y estéticas.
Qué es hoy el diseño
Al cabo de varias décadas -relativamente pocas- el diseño se ha transformado en algo muy distinto a aquél de los
principios. Durante la segunda mitad del siglo XX toda la actividad productiva en los países avanzados ha incorporado
el diseño a su “cadena de valor”, excediendo en mucho el campo del hábitat propiamente dicho. El diseño
invade el consumo masivo y todos los sectores de la industria productiva, la distribución y los servicios. Esta
incorporación no ha sido, por lo tanto, el mero fruto del triunfo de aquel nuevo estilo de vida, sino de las exigencias
de la producción aceleradamente industrializada y de la consiguiente implantación definitiva e irreversible
del mercado de oferta, o sea, la sociedad de consumo.
Las organizaciones de todo tipo -no sólo las empresas- han ido necesitando incorporar aquel espacio de innovación
de sus productos, servicios y actividades: El diseño se incrusta en el proceso productivo como una nueva fase, en
la amplísima mayoría de las actividades productivas. Y la universalización de esta fase la ha abstraído: Ha perdido
características concretas en lo metodológico y en lo axiológico. Pero se ha enriquecido: Debe asumir cuanto
método y lenguaje le sea exigido por su infinita lista de programas.
Y esta es la fuente de la conflictividad respirable “en el ambiente”: El diseño puede servir, debe servir y efectivamente
sirve a todo tipo de necesidad y ello implica una espectacular diversificación cultural, estilística y, ni qué
decir, ética. Pues, legítimamente, son tan fruto del diseño las infraestructuras de los campamentos de refugiados
como los misiles que los han hecho huir.
A resultas de esta especie de metástasis, el diseño, así a secas, se vacía de contenidos. O sea, todas su manifestaciones
reales sólo tienen una cosa en común: El ser la fase en que se definen todas las características de un nuevo
producto, su forma de distribución y uso, antes de iniciarse el proceso de producción material. (p. 15)
Si agregáramos un atributo más, estaríamos definiendo sólo algún área parcial del diseño, o cayendo fuera de esta
práctica profesional.
Qué no es el diseño
Antes de entrar en las definiciones erróneas del diseño conviene analizar un uso popular del término que, gracias
a las distorsiones que implica, delata el papel mediático asumido por esta disciplina.
Nos referimos a la expresión “de diseño”, una cláusula determinativa que obra como adjetivo calificativo: Baresde-
diseño, muebles-de-diseño, ropa-de-diseño, hoteles-de-diseño… ¿Con “de-diseño” se significa acaso “que ha
sido diseñado”? Obviamente no. La casi totalidad de los productos han sido diseñados pero no todos son “dediseño”.
¿Qué se quiere significar, en-tonces, con “de-diseño”? Simplemente “moderno”, o “de última moda”, o
“absolutamente novedoso” por su forma.
Evidentemente, el diseño excede en mucho ese universo. La expresión “de-diseño” limita, implícitamente, al diseño
a sólo una de sus manifestaciones: La más estridente. Una sinécdoque equivoca: Reduce el todo a una parte
que no lo representa, debido a un estado de opinión justificado pero inexacto.
No más precisas que la opinión pública son ciertas concepciones profesionales del diseño que o lo asocian sólo
a un estilo, o lo restringen a sus zonas de intersección con el arte o la ciencia, o lo recluyen en sus funciones sociales.
Concepciones que, lejos de estar superadas siguen reproduciéndose como mala hierba gracias al desprecio
que suelen tener los profesionales por la realidad a la hora de teorizar.
El diseño carece de estilo propio pues, por lo dicho más arriba, debe estar preparado para echar mano a cualquiera
de ellos. El diseño no es arte, por más que alguno de sus productos estén llenos de él. El diseño no es de ninguna
manera una ciencia, aunque puede recurrir a instrumentos científicos. El diseño sólo tiene función social allí
donde el respectivo programa se la reclame. En la amplia mayoría de los casos, el diseño -en esta sociedad- carece
de “función social” y en un extenso repertorio de programas cumple una función claramente antisocial.
Tampoco podemos concebir al diseño como un sistema axiomático autónomo que aplique sus normas a la realidad
para configurar los objetos a imagen y semejanza de esos axiomas. A ello suele aludirse cuando se utiliza el término
“disciplina”. Este término es aceptable, pues sirve para definir cualquier actividad más o menos “disciplinada”;
pero sus usos en el contexto teórico y profesional suelen aludir, abierta o encubiertamente, a la existencia de un
sistema riguroso de principios. Lo cual es falso.
O sea, el diseño no es más que lo dicho: La fase de un sistema productivo en el que se define la totalidad de las
características de un producto, su forma de producción, distribución y uso. ¿Con qué método, con qué estilo, con
qué fin? Con el que convenga al programa. (p.16)
fonte:
Actas de Diseño 1. Facultad de Diseño y Comunicación. Universidad de Palermo. pp. 15-22. ISSN 1850-2032
http://fido.palermo.edu/servicios_dyc/encuentro2008/05_publicaciones/01_actas_diseno/archivos_pdf/actas_n_1.pdf
Intentando dispersar la bruma.
Ha transcurrido ya casi un siglo desde que se acuñara el término “diseño” para denominar a esa entonces nueva
práctica productiva. A lo largo de ese período, el diseño ha ido sufriendo una serie de transformaciones que han
incidido en la modificación de su propio concepto. Debido a ese dinamismo de cambio, también se ha ido generando
una serie de errores de definición, agravados por los usos abusivos del término “diseño”.
En un intento de ordenar las ideas podríamos comparar, a vuelo de pájaro, los significados que cobrara la palabra
diseño en sus orígenes, el alcance que ha cobrado hoy y las definiciones parciales, insuficientes o decididamente
erróneas actualmente más frecuentes.
Para realizar esa tarea en el pequeño espacio de que disponemos debemos producir una síntesis, reducir cada
fenómeno analizado a su mínima expresión, sin mutilar la captación de su realidad sino, al revés, poniendo a la
vista sus rasgos esenciales.
Comencemos por el principio.
Qué era el diseño
El diseño no nace como una “disciplina” sino como un puro instrumento de algo mucho más ambicioso: Una
revolución en los estilos de vida.
El diseño aparece en el seno de una intensa actividad ideológica que cuestiona la herencia ecléctica del fin del
siglo XIX y la concepción burguesa, tardía y decadente, del hábitat.
La lucha por poner el ámbito de la vida cotidiana en concordancia con las conquistas materiales de la sociedad
industrial, o sea su “modernización”, fue el eje, generalmente explícicto, de todas las corrientes transformadoras
desarrolladas en las primeras décadas del XX: Funcionalismo, racionalismo, constructivismo, neoplasticismo,
futurismo. A grosso modo, para englobar, podríamos hablar del “movimiento moderno”, no tanto por los contenidos
históricos de éste como por la amplitud semántica de su denominación.
Por consiguiente, el diseño aparece como un puro instrumento: El espacio productivo en el que se formula aquel
nuevo estilo de vida, se explicitan sus nuevos programas, se crean los correspondientes nuevos lenguajes y se prefigura
el nuevo hábitat y todos su componentes.
Dicho sintéticamente: El diseño era el taller de la nueva cultura. Nace, por lo tanto, impregnado de ideología,
acompañado por manifiestos que aspiraban a resolver la nueva articulación entre usos, técnicas productivas, contenidos
simbólicos y estéticas.
Qué es hoy el diseño
Al cabo de varias décadas -relativamente pocas- el diseño se ha transformado en algo muy distinto a aquél de los
principios. Durante la segunda mitad del siglo XX toda la actividad productiva en los países avanzados ha incorporado
el diseño a su “cadena de valor”, excediendo en mucho el campo del hábitat propiamente dicho. El diseño
invade el consumo masivo y todos los sectores de la industria productiva, la distribución y los servicios. Esta
incorporación no ha sido, por lo tanto, el mero fruto del triunfo de aquel nuevo estilo de vida, sino de las exigencias
de la producción aceleradamente industrializada y de la consiguiente implantación definitiva e irreversible
del mercado de oferta, o sea, la sociedad de consumo.
Las organizaciones de todo tipo -no sólo las empresas- han ido necesitando incorporar aquel espacio de innovación
de sus productos, servicios y actividades: El diseño se incrusta en el proceso productivo como una nueva fase, en
la amplísima mayoría de las actividades productivas. Y la universalización de esta fase la ha abstraído: Ha perdido
características concretas en lo metodológico y en lo axiológico. Pero se ha enriquecido: Debe asumir cuanto
método y lenguaje le sea exigido por su infinita lista de programas.
Y esta es la fuente de la conflictividad respirable “en el ambiente”: El diseño puede servir, debe servir y efectivamente
sirve a todo tipo de necesidad y ello implica una espectacular diversificación cultural, estilística y, ni qué
decir, ética. Pues, legítimamente, son tan fruto del diseño las infraestructuras de los campamentos de refugiados
como los misiles que los han hecho huir.
A resultas de esta especie de metástasis, el diseño, así a secas, se vacía de contenidos. O sea, todas su manifestaciones
reales sólo tienen una cosa en común: El ser la fase en que se definen todas las características de un nuevo
producto, su forma de distribución y uso, antes de iniciarse el proceso de producción material. (p. 15)
Si agregáramos un atributo más, estaríamos definiendo sólo algún área parcial del diseño, o cayendo fuera de esta
práctica profesional.
Qué no es el diseño
Antes de entrar en las definiciones erróneas del diseño conviene analizar un uso popular del término que, gracias
a las distorsiones que implica, delata el papel mediático asumido por esta disciplina.
Nos referimos a la expresión “de diseño”, una cláusula determinativa que obra como adjetivo calificativo: Baresde-
diseño, muebles-de-diseño, ropa-de-diseño, hoteles-de-diseño… ¿Con “de-diseño” se significa acaso “que ha
sido diseñado”? Obviamente no. La casi totalidad de los productos han sido diseñados pero no todos son “dediseño”.
¿Qué se quiere significar, en-tonces, con “de-diseño”? Simplemente “moderno”, o “de última moda”, o
“absolutamente novedoso” por su forma.
Evidentemente, el diseño excede en mucho ese universo. La expresión “de-diseño” limita, implícitamente, al diseño
a sólo una de sus manifestaciones: La más estridente. Una sinécdoque equivoca: Reduce el todo a una parte
que no lo representa, debido a un estado de opinión justificado pero inexacto.
No más precisas que la opinión pública son ciertas concepciones profesionales del diseño que o lo asocian sólo
a un estilo, o lo restringen a sus zonas de intersección con el arte o la ciencia, o lo recluyen en sus funciones sociales.
Concepciones que, lejos de estar superadas siguen reproduciéndose como mala hierba gracias al desprecio
que suelen tener los profesionales por la realidad a la hora de teorizar.
El diseño carece de estilo propio pues, por lo dicho más arriba, debe estar preparado para echar mano a cualquiera
de ellos. El diseño no es arte, por más que alguno de sus productos estén llenos de él. El diseño no es de ninguna
manera una ciencia, aunque puede recurrir a instrumentos científicos. El diseño sólo tiene función social allí
donde el respectivo programa se la reclame. En la amplia mayoría de los casos, el diseño -en esta sociedad- carece
de “función social” y en un extenso repertorio de programas cumple una función claramente antisocial.
Tampoco podemos concebir al diseño como un sistema axiomático autónomo que aplique sus normas a la realidad
para configurar los objetos a imagen y semejanza de esos axiomas. A ello suele aludirse cuando se utiliza el término
“disciplina”. Este término es aceptable, pues sirve para definir cualquier actividad más o menos “disciplinada”;
pero sus usos en el contexto teórico y profesional suelen aludir, abierta o encubiertamente, a la existencia de un
sistema riguroso de principios. Lo cual es falso.
O sea, el diseño no es más que lo dicho: La fase de un sistema productivo en el que se define la totalidad de las
características de un producto, su forma de producción, distribución y uso. ¿Con qué método, con qué estilo, con
qué fin? Con el que convenga al programa. (p.16)
fonte:
Actas de Diseño 1. Facultad de Diseño y Comunicación. Universidad de Palermo. pp. 15-22. ISSN 1850-2032
http://fido.palermo.edu/servicios_dyc/encuentro2008/05_publicaciones/01_actas_diseno/archivos_pdf/actas_n_1.pdf
Green Graphic Design
by Brian Dougherty and Celery Design Collaborative
The first book to focus on sustainable design
Green paper, printing, binding, shipping, packaging, more
Author is a respected leader in green design
Simple, doable changes that can help save the earth
The first book to focus on sustainable design
Green paper, printing, binding, shipping, packaging, more
Author is a respected leader in green design
Simple, doable changes that can help save the earth
Be among the first graphic designers to shift toward sustainable, or green, design. A leader in the field, author Brian Dougherty explains how simple eco-friendly changes in the paper, printing, binding, shipping, packaging, and budgeting of products can add clarity, profitability, innovation, and even meaning to any design project. Illustrated case studies highlight the key steps in the process, and an extensive index of web resources, paper suppliers, and reading lists support the move toward going green. It isn’t easy going green...wait, yes, it is--when you’ve got Green Graphic Design to show the way!
About the Author
Brian Dougherty is a partner at Celery Design Collaborative and a recognized leader in green design. A founding member of the board of advisors for the AIGA Center for Sustainable Design, he lives and works in Berkeley, California.
fonte:
Dougherty, Brian [2009] Green Graphic Design, Allworth Press.
About the Author
Brian Dougherty is a partner at Celery Design Collaborative and a recognized leader in green design. A founding member of the board of advisors for the AIGA Center for Sustainable Design, he lives and works in Berkeley, California.
fonte:
Dougherty, Brian [2009] Green Graphic Design, Allworth Press.
20/03/2009
SustainAble:
A Handbook of Materials and Applications for Graphic Designers and Their Clients (Design Field Guide)
Aaris Sherin
"What is sustainable design?
Sustainable can be defined in many ways, but perhaps the easiest way to describe it is as the balanced use of natural, social, and economic capital for the continued health of the planet and future generations. Designers can enter into the discussion [Ler mais...]
Aaris Sherin
"What is sustainable design?
Sustainable can be defined in many ways, but perhaps the easiest way to describe it is as the balanced use of natural, social, and economic capital for the continued health of the planet and future generations. Designers can enter into the discussion [Ler mais...]
Victor Papanek
Design for the Real World: Human Ecology and Social Change
Victor Papanek
"All men are designers. All that we do, almost all the time, is design, for design is basic to all human activity. The planning and patterning of any act toward a desired, foreseeable end constitutes the design process. (...) "
fonte:
Papanek, Victor [1985] Design for the Real World: Human Ecology and Social Change, Chicago, Academy Chicago Publishers, p.9.
Papanek, Victor [1995] The Green Imperative: Ecology and Ethics in Design and Architecture, London, Thames & Hudson.
"All thinking worthy of the name must be ecological"
Lewis Mumford
Victor Papanek
"All men are designers. All that we do, almost all the time, is design, for design is basic to all human activity. The planning and patterning of any act toward a desired, foreseeable end constitutes the design process. (...) "
fonte:
Papanek, Victor [1985] Design for the Real World: Human Ecology and Social Change, Chicago, Academy Chicago Publishers, p.9.
Papanek, Victor [1995] The Green Imperative: Ecology and Ethics in Design and Architecture, London, Thames & Hudson.
"All thinking worthy of the name must be ecological"
Lewis Mumford
José A. Bragança de Miranda
O design como problema
[ José A. Bragança de Miranda ]
«Tentei completar uma circunstância da vida como um edifício, solto no espaço sobre terreno usado. Fiz uma forma contra o céu em superfície plana, como um corte nas ervas daninhas, mas aborreci-me e não o acabei. Faço algo que, à medida que muda e se desintegra, não deixa pistas quanto à sua natureza anterior, como se todas as fotografias fossem imagens de mobilidade. Pequenas margaridas crescem no corte, preservando a forma».
[ José A. Bragança de Miranda ]
«Tentei completar uma circunstância da vida como um edifício, solto no espaço sobre terreno usado. Fiz uma forma contra o céu em superfície plana, como um corte nas ervas daninhas, mas aborreci-me e não o acabei. Faço algo que, à medida que muda e se desintegra, não deixa pistas quanto à sua natureza anterior, como se todas as fotografias fossem imagens de mobilidade. Pequenas margaridas crescem no corte, preservando a forma».
Mei-mei Berssenbrugge
Com a aceitação moderna da imanência o humano caracteriza-se, fundamentalmente, pela sua capacidade constituinte. Nenhuma constituição política consegue absorver esse poder constituinte, que faz e refaz a experiência, que, por seu turno, nos faz a nós e, muitas vezes, nos desfaz. Pelo mero facto de se agir tudo é transfigurado e, em certa medida, anulado. Só o agir é sintético, embora decorra sempre sobre o fragmentário, na parcialidade de um «aqui e agora». Em suma, tudo aquilo que sobrevem decorre na materialidade da imanência, mesmo o mais místico e transcendente. Numa certa versão da modernidade, que se pretende racional, os «deuses», os «minotauros» ou as «sereias», eram simples espelhismos da imaginação ou produtos poético que, quanto muito, têm uma justificação estética. Mas enquanto produto da capacidade constituinte, mesmo sendo «imagens», não deixam de ter efeitos, e bem potentes. É sempre menos o real que muda do que as imagens em que é dado a ver. Esse poder constituinte esteve sempre em acto, mesmo na Idade Média, onde o mínimo recanto estava preenchido pela plenitude de um Deus e assombrada por demónios[1], embora mediado por «ideologias» que, controlando-o ou dissimulando-o, lhe davam curso. (...)
Com a aceitação moderna da imanência o humano caracteriza-se, fundamentalmente, pela sua capacidade constituinte. Nenhuma constituição política consegue absorver esse poder constituinte, que faz e refaz a experiência, que, por seu turno, nos faz a nós e, muitas vezes, nos desfaz. Pelo mero facto de se agir tudo é transfigurado e, em certa medida, anulado. Só o agir é sintético, embora decorra sempre sobre o fragmentário, na parcialidade de um «aqui e agora». Em suma, tudo aquilo que sobrevem decorre na materialidade da imanência, mesmo o mais místico e transcendente. Numa certa versão da modernidade, que se pretende racional, os «deuses», os «minotauros» ou as «sereias», eram simples espelhismos da imaginação ou produtos poético que, quanto muito, têm uma justificação estética. Mas enquanto produto da capacidade constituinte, mesmo sendo «imagens», não deixam de ter efeitos, e bem potentes. É sempre menos o real que muda do que as imagens em que é dado a ver. Esse poder constituinte esteve sempre em acto, mesmo na Idade Média, onde o mínimo recanto estava preenchido pela plenitude de um Deus e assombrada por demónios[1], embora mediado por «ideologias» que, controlando-o ou dissimulando-o, lhe davam curso. (...)
19/03/2009
07/03/2009
NYPL Digital Gallery
NYPL Digital Gallery provides access to over 600,000 images digitized from primary sources and printed rarities in the collections of The New York Public Library, including illuminated manuscripts, historical maps, vintage posters, rare prints and photographs, illustrated books, printed ephemera, and more.
Collection Guides | Library Divisions | Subjects A-Z | Names
Collection Guides | Library Divisions | Subjects A-Z | Names
05/03/2009
STEP inside design
STEP inside design explores the impact of design on all facets of our lives; how we work, learn, move, communicate, and play. STEP takes readers behind the scenes to meet the creative problem-solvers that make it possible for us to move through the world in brilliant and dynamic ways. Each issue includes profiles of visionary creatives, thoughtful analysis on business issues, and essays and commentaries on design’s most relevant questions. It’s the one magazine that shows you the world of design from the inside out and goes beyond the “who” and the “how” to explore the “why” of contemporary design.
STEP offers two big design annuals: The STEP inside design 100 (March/April issue), featuring the top 100 designs from our Design 100 competition. Winners are selected by a jury of five leading designers. AND The Best of Web Design annual (September/October issue) features the most innovative websites online. To find out more about STEP inside design’s competitions, click here.
STEP offers two big design annuals: The STEP inside design 100 (March/April issue), featuring the top 100 designs from our Design 100 competition. Winners are selected by a jury of five leading designers. AND The Best of Web Design annual (September/October issue) features the most innovative websites online. To find out more about STEP inside design’s competitions, click here.
04/03/2009
Getting Started with Silverlight for Eclipse
Microsoft® is taking interoperability seriously when it comes to Silverlight. Now, thanks to Microsoft and Soyatec, Eclipse developers will be able to create Microsoft Silverlight™ applications right in their favorite IDE.
by Sheryl Canter
February 5, 2009
Fans of the open source and highly configurable Eclipse IDE got a present recently: a new beta of the Silverlight plug-in for Eclipse. It offers many of the same features as Silverlight Tools for Visual Studio® 2008, including code-hinting and XAML preview. The plug-in is being developed by Soyatec with funding, architectural guidance, and project management from Microsoft's Interoperability Team. The best way to tour the features of Silverlight for Eclipse is to actually try it. So in this article we'll create a simple Silverlight app using Eclipse—a syndication feed reader. The app lists feed items in the top of the window, and displays the selected feed item beneath the list. It's amazing how little code it takes to put this together. Here's what the finished app looks like:
by Sheryl Canter
February 5, 2009
Fans of the open source and highly configurable Eclipse IDE got a present recently: a new beta of the Silverlight plug-in for Eclipse. It offers many of the same features as Silverlight Tools for Visual Studio® 2008, including code-hinting and XAML preview. The plug-in is being developed by Soyatec with funding, architectural guidance, and project management from Microsoft's Interoperability Team. The best way to tour the features of Silverlight for Eclipse is to actually try it. So in this article we'll create a simple Silverlight app using Eclipse—a syndication feed reader. The app lists feed items in the top of the window, and displays the selected feed item beneath the list. It's amazing how little code it takes to put this together. Here's what the finished app looks like:
…
17/02/2009
Typographic Design for Children
The Typographic Design for Children Project team is Sue Walker, Linda Reynolds, Nicola Robson and Nadja Guggi.
Caroline Archer, Alison Duncan and Angela Redfern have also worked on the Project. Text Matters have contributed technical advice on database and web design. Thank you.
Oxford University Press have supported the Project by letting us use text and illustrations for test material, and by contributing to discussion about the typographic and editorial issues they think are important in the design of books for young readers. Their help has been invaluable: high quality, relevant test materials were essential to the Project.
We would also like to thank children and teachers at Redlands, Willowbank and Aldryngton Primary schools for their help with testing.
Caroline Archer, Alison Duncan and Angela Redfern have also worked on the Project. Text Matters have contributed technical advice on database and web design. Thank you.
Oxford University Press have supported the Project by letting us use text and illustrations for test material, and by contributing to discussion about the typographic and editorial issues they think are important in the design of books for young readers. Their help has been invaluable: high quality, relevant test materials were essential to the Project.
We would also like to thank children and teachers at Redlands, Willowbank and Aldryngton Primary schools for their help with testing.
16/02/2009
Histórico do Centro de Estudos Peirceanos
Lucia Santaella
1. Do início dos estudos de Peirce na PUC/SP à criação do Centro de Estudos Peirceanos
Desde o início da década de 1970, a obra do norte-americano Charles Sanders Peirce (1839-1914), cientista, lógico, filósofo e criador da moderna ciência semiótica, vem sendo estudada na PUC de São Paulo. O pensamento de Peirce não entrou nessa universidade pela via da lógica, nem pela via da filosofia, mas pela via da semiótica. Naquela época, o atual Programa de Pós-Graduação em Comunicação e Semiótica se chamava Teoria Literária, fundado e coordenado por Lucrécia Ferrara, pioneira junto com Joel Martins e Antonieta Alba Celani na criação dos programas de estudos pós-graduados na PUC/SP, esses mesmos que cresceram, multiplicaram-se, trazendo hoje tanto prestígio acadêmico a essa universidade. [Ler mais...]
Além de uma função de congraçamento, as Jornadas do CENEP (anteriormente chamadas "Jornadas do CEPE") visam também promover um balanço avaliativo das tarefas realizadas, permitindo um reajustamento dos rumos futuros. Como registro das Jornadas, ficam os Cadernos (veja em Textos), documento apenas indicador do esforço humano investido por todos aqueles que têm se empenhado para manter o Centro de Estudos Peirceanos não apenas vivo, mas digno de sua existência. [Ler mais...]
…
1. Do início dos estudos de Peirce na PUC/SP à criação do Centro de Estudos Peirceanos
Desde o início da década de 1970, a obra do norte-americano Charles Sanders Peirce (1839-1914), cientista, lógico, filósofo e criador da moderna ciência semiótica, vem sendo estudada na PUC de São Paulo. O pensamento de Peirce não entrou nessa universidade pela via da lógica, nem pela via da filosofia, mas pela via da semiótica. Naquela época, o atual Programa de Pós-Graduação em Comunicação e Semiótica se chamava Teoria Literária, fundado e coordenado por Lucrécia Ferrara, pioneira junto com Joel Martins e Antonieta Alba Celani na criação dos programas de estudos pós-graduados na PUC/SP, esses mesmos que cresceram, multiplicaram-se, trazendo hoje tanto prestígio acadêmico a essa universidade. [Ler mais...]
Além de uma função de congraçamento, as Jornadas do CENEP (anteriormente chamadas "Jornadas do CEPE") visam também promover um balanço avaliativo das tarefas realizadas, permitindo um reajustamento dos rumos futuros. Como registro das Jornadas, ficam os Cadernos (veja em Textos), documento apenas indicador do esforço humano investido por todos aqueles que têm se empenhado para manter o Centro de Estudos Peirceanos não apenas vivo, mas digno de sua existência. [Ler mais...]
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15/02/2009
Centro de Investigação em Mídias Digitais
< CIMID >
Este é um Centro Virtual de Pesquisa voltado para o estudo teórico, a criação artística e a reflexão crítica sobre o universo virtual, ciberespaço, redes e internet.
Programa de Pós-graduação em Comunicação e Semiótica (COS)
Pontifícia Universidade Católica de São Paulo (PUCSP)
Apoio Fapesp
Este é um Centro Virtual de Pesquisa voltado para o estudo teórico, a criação artística e a reflexão crítica sobre o universo virtual, ciberespaço, redes e internet.
Programa de Pós-graduação em Comunicação e Semiótica (COS)
Pontifícia Universidade Católica de São Paulo (PUCSP)
Apoio Fapesp
Manual de Semiótica
António Fidalgo
Anabela Gradim
Capítulo 1
Semiótica e comunicação
1.1 Sinais e signos. Aproximação aos conceitos de signo e de semiótica.
1.1.1 Os sinais chamados sinais
Em português dá-se o nome de sinal a coisas assaz diferentes.
Temos os sinais da pele, os sinais de trânsito, o sinal da cruz, o
sinal de pagamento. Uma pergunta que se pode fazer é o que
têm de comum para poderem ter o mesmo nome. Com efeito, o
mesmo nome dado a coisas diferentes normalmente significa que
essas coisas têm algo em comum. Se chamamos pessoa tanto a
um bebé do sexo feminino como a um homem velho é porque
consideramos que têm algo de comum, nomeadamente o ser pessoa.
Que as coisas atrás chamadas sinais são diferentes umas das
outras não sofre contestação. Os sinais da pele são naturais, os
sinais de trânsito são artefactos, o sinal da cruz não é uma coisa
que exista por si, é um gesto que só existe quando se faz, e o sinal
de pagamento é algo, que pode ser muita coisa, normalmente dinheiro, que se entrega a alguém como garantia de que se lhe há-de pagar o resto. Que há então de comum a estas coisas para terem o mesmo nome? A resposta deve ser buscada na análise de cada uma delas. [Ler mais...] > [pdf]
UBI – PORTUGAL
www.ubi.pt
2004/2005
Anabela Gradim
Capítulo 1
Semiótica e comunicação
1.1 Sinais e signos. Aproximação aos conceitos de signo e de semiótica.
1.1.1 Os sinais chamados sinais
Em português dá-se o nome de sinal a coisas assaz diferentes.
Temos os sinais da pele, os sinais de trânsito, o sinal da cruz, o
sinal de pagamento. Uma pergunta que se pode fazer é o que
têm de comum para poderem ter o mesmo nome. Com efeito, o
mesmo nome dado a coisas diferentes normalmente significa que
essas coisas têm algo em comum. Se chamamos pessoa tanto a
um bebé do sexo feminino como a um homem velho é porque
consideramos que têm algo de comum, nomeadamente o ser pessoa.
Que as coisas atrás chamadas sinais são diferentes umas das
outras não sofre contestação. Os sinais da pele são naturais, os
sinais de trânsito são artefactos, o sinal da cruz não é uma coisa
que exista por si, é um gesto que só existe quando se faz, e o sinal
de pagamento é algo, que pode ser muita coisa, normalmente dinheiro, que se entrega a alguém como garantia de que se lhe há-de pagar o resto. Que há então de comum a estas coisas para terem o mesmo nome? A resposta deve ser buscada na análise de cada uma delas. [Ler mais...] > [pdf]
UBI – PORTUGAL
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2004/2005
14/02/2009
Semiotics: A Primer for Designers
by Challis Hodge on 2003/08/11
“Semiotics is important for designers as it allows us to understand the relationships between signs, what they stand for, and the people who must interpret them — the people we design for.”
In its simplest form, Semiotics can be described as the study of signs. Not signs as we normally think of signs, but signs in a much broader context that includes anything capable of standing for or representing a separate meaning.
Paddy Whannel[1] offered a slightly different definition. “Semiotics tells us things we already know in a language we will never understand.” Paddy’s definition is partly right. The language used by semioticians can often be overkill, and indeed semiotics involves things we already know, at least on an intuitive level. Still, semiotics is important for designers as it allows us to understand the relationships between signs, what they stand for, and the people who must interpret them — the people we design for.
The science of Semiology (from the Greek semeîon, ‘sign’) seeks to investigate and understand the nature of signs and the laws governing them. Semiotics represents a range of studies in art, literature, anthropology, and the mass media rather than an independent academic discipline. The disciplines involved in semiotics include linguistics, philosophy, psychology, sociology, anthropology, literature, aesthetic and media theory, psychoanalysis and education.
Origins of Semiotics
Swiss linguist Ferdinand de Saussure[2] is considered to be the founder of linguistics and semiotics. Saussure postulated the existence of this general science of signs, or Semiology, of which linguistics forms only one part. Semiology therefore aims to take in any system of signs, whatever their substance and limits; images, gestures, musical sounds, objects, and the complex associations of all these, which form the content of ritual, convention or public entertainment: these constitute, if not languages, at least systems of signification. [Ler mais...]
References
[1] Semiotics, Structuralism, and Television, Ellen Seiter, 1992.
[2] Saussure, Ferdinand de (1993). Third Course of Lectures on General Linguistics. Pergamon Press. http://www.marxists.org/reference/subject/philosophy/works/fr/saussure.htm
[3] In Perspective: Valentin Voloshinov, Issue 75 of International Socialism, Quarterly Journal of the Socialist Workers Party (Britain), Published July 1997. http://pubs.socialistreviewindex.org.uk/isj75/parring.htm
[4] Chandler, David (2001). Semiotics: The Basics. Routledge. ISBN 0415265940
Bibliography
Barthes, Roland (1964). Elements of Semiology. Hill and Wang.
http://www.marxists.org/reference/subject/philosophy/works/fr/barthes.htm.
Chandler, David (2001). Semiotics: The Basics. Routledge. ISBN 0415265940.
Saussure, Ferdinand de (1993). Third Course of Lectures on General Linguistics. Pergamon Press. http://www.marxists.org/reference/subject/philosophy/works/fr/saussure.htm.
Stuart Hall, Recent Developments in Theories of Language and Ideology: A Critical Note, from Culture, Media, Language: Working Papers in Cultural Studies, 1972-1979 (1980).
Vestergaard, T & K Schroder (1985): The Language of Advertising. Oxford: Blackwell.
Umberto Eco, A Theory of Semiotics (Bloomington: Indiana University Press, 1976), p. 16.
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“Semiotics is important for designers as it allows us to understand the relationships between signs, what they stand for, and the people who must interpret them — the people we design for.”
In its simplest form, Semiotics can be described as the study of signs. Not signs as we normally think of signs, but signs in a much broader context that includes anything capable of standing for or representing a separate meaning.
Paddy Whannel[1] offered a slightly different definition. “Semiotics tells us things we already know in a language we will never understand.” Paddy’s definition is partly right. The language used by semioticians can often be overkill, and indeed semiotics involves things we already know, at least on an intuitive level. Still, semiotics is important for designers as it allows us to understand the relationships between signs, what they stand for, and the people who must interpret them — the people we design for.
The science of Semiology (from the Greek semeîon, ‘sign’) seeks to investigate and understand the nature of signs and the laws governing them. Semiotics represents a range of studies in art, literature, anthropology, and the mass media rather than an independent academic discipline. The disciplines involved in semiotics include linguistics, philosophy, psychology, sociology, anthropology, literature, aesthetic and media theory, psychoanalysis and education.
Origins of Semiotics
Swiss linguist Ferdinand de Saussure[2] is considered to be the founder of linguistics and semiotics. Saussure postulated the existence of this general science of signs, or Semiology, of which linguistics forms only one part. Semiology therefore aims to take in any system of signs, whatever their substance and limits; images, gestures, musical sounds, objects, and the complex associations of all these, which form the content of ritual, convention or public entertainment: these constitute, if not languages, at least systems of signification. [Ler mais...]
References
[1] Semiotics, Structuralism, and Television, Ellen Seiter, 1992.
[2] Saussure, Ferdinand de (1993). Third Course of Lectures on General Linguistics. Pergamon Press. http://www.marxists.org/reference/subject/philosophy/works/fr/saussure.htm
[3] In Perspective: Valentin Voloshinov, Issue 75 of International Socialism, Quarterly Journal of the Socialist Workers Party (Britain), Published July 1997. http://pubs.socialistreviewindex.org.uk/isj75/parring.htm
[4] Chandler, David (2001). Semiotics: The Basics. Routledge. ISBN 0415265940
Bibliography
Barthes, Roland (1964). Elements of Semiology. Hill and Wang.
http://www.marxists.org/reference/subject/philosophy/works/fr/barthes.htm.
Chandler, David (2001). Semiotics: The Basics. Routledge. ISBN 0415265940.
Saussure, Ferdinand de (1993). Third Course of Lectures on General Linguistics. Pergamon Press. http://www.marxists.org/reference/subject/philosophy/works/fr/saussure.htm.
Stuart Hall, Recent Developments in Theories of Language and Ideology: A Critical Note, from Culture, Media, Language: Working Papers in Cultural Studies, 1972-1979 (1980).
Vestergaard, T & K Schroder (1985): The Language of Advertising. Oxford: Blackwell.
Umberto Eco, A Theory of Semiotics (Bloomington: Indiana University Press, 1976), p. 16.
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Design and Semiotics
1. From form to Gestalt to design
Designers are among those professionals who have shown a first and continued interest in the modern revival of semiotics. In search of a theory for a field of human practice characterized by a lack of conceptual discipline, designers, especially those formed in the Ulm School tradition, were willing to adopt semiotics as their theory, provided that semioticians pay attention to critical problems of design and not extend a logocratic model where something else seemed necessary. Maldonado (1967) undoubtedly deserves credit for being receptive to semiotics and making it part of his own design concept. At Theo Crosby’s initiative, and with the assistance of some of his students (Guy Bonsiepe deserves mention here), he published several articles dealing with semiotic concepts and their pertinence to design. This happened when Europe discovered Charles S. Peirce; when Bense, continuing his search for a scientific foundation of aesthetics, arrived at sign theory (1970, 1971), and when East European designers, facing constraints typical of dogmatic thinking, approached the problems of codes with new hope for their future work. On the American continent, designers' interest in semiotics was expressed quite late through students and scholars from Ulm or by contamination from other fields—predominantly from literary studies.
This short historic note is not meant to be a rigorous account of names and events, but an explanation of the work that results from applying semiotics to design or from looking at design from the semiotic perspective. A certain turn in my life put me in the position of being able to devote several years to the issue. Consequently, I take credit for teaching semiotics to designers, for initiating courses for practicing designers who wanted to apply semiotics in their work, and for applying semiotic principles on my own to design work pertinent to computers and artificial intelligence (Nadin, 1986).
Design happens to be a rather unsettled field of human creativity, without critical method (and without methodic criticism), and without the means to construct one for itself. People who worked in typography, printing/printmaking, jewelry design, architecture, textile, heraldry, ceramics, fashion, and the arts started identifying themselves as designers less than a century ago. Design is a general concept, reflected in the underlying quality of objects, actions and representations which various people make possible in a given culture and within a value framework. To design means, among other things, to plan, to anticipate according to a devised course of events in view of a goal and under the influence of environment.
Björn Engholm (1984), in an article that deserves the attention of both designers and semioticians, referred to a time "Als man zu Design noch Gestaltung oder Formgebung sagte" (i.e., when design was still called Gestaltung or formation/form-giving). The shift in terminology he describes is taken a bit too seriously, to the extreme that, under new names, design products "identified as good" offend the eye. “In today's design, ideology is written in upper-case letters. American design or Italian design is no longer concerned with a subject, but with representation. Design degenerates into sign,” [translation mine].
In fact, the shift from paradigms of previous aesthetic and morphological theories to structure and, more recently, to sign proves far more influential than the change in terminology. In a broader perspective than the one Engholm suggests, we can ascertain that the relation to art, science, and technology defines the type of design. Let me apply this thesis to main schools of design that are representative of the evolution of our concept of design. I will use a simple diagramming procedure with the aim of characterizing these schools, and also show the dynamics of change. This is not a substitute for the theoretic analysis; it submits for discussion, preliminary results in order to present them as a working hypothesis. [Ler mais...]
References
Bense, Max (1970). Semiotik. Allgemeine Theorie der Zeichen. Baden-Baden: Agis.
— (1971). Zeichen und Design (Semiotische Ästhetik). Baden-Baden: Agis.
Englholm, Björn (1984) Politik und Sprache, in Form 1 (1984) 6-7).
Jakobson, Roman (1967). Satructure of Language and its Mathematical Aspects, in Essais de linguistique generale. Paris: Editions de Minuit, pp. 87-99.
Maldonado, Tomas (1967). Visual Signs in Operative and Persuasive Communication, in UPPERCASE 5 (Theo Crosby, Ed.). Tonbridge, Kent: Whitefriars.
Matthews, Robert (1986). Talking your language, in Design 8, 40/1.
Mukarovsky, Jan (1936, 1979). Aesthetic Function, Norm, and Value as Social Facts. Ann Arbor: The University of Michigan, Slavic Languages Department.
Nadin, Mihai (1984). On the Meaning of the Visual, in Semiotica 3/4, pp. 335-377.
— (1986). Visual Semiosis Applied to Computer Graphics, in ASEE Conference Proceedings, pp.498-501.
Simon, Herbert (1982). The Sciences of the Artificial. Cambridge MA: MIT Press.
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Designers are among those professionals who have shown a first and continued interest in the modern revival of semiotics. In search of a theory for a field of human practice characterized by a lack of conceptual discipline, designers, especially those formed in the Ulm School tradition, were willing to adopt semiotics as their theory, provided that semioticians pay attention to critical problems of design and not extend a logocratic model where something else seemed necessary. Maldonado (1967) undoubtedly deserves credit for being receptive to semiotics and making it part of his own design concept. At Theo Crosby’s initiative, and with the assistance of some of his students (Guy Bonsiepe deserves mention here), he published several articles dealing with semiotic concepts and their pertinence to design. This happened when Europe discovered Charles S. Peirce; when Bense, continuing his search for a scientific foundation of aesthetics, arrived at sign theory (1970, 1971), and when East European designers, facing constraints typical of dogmatic thinking, approached the problems of codes with new hope for their future work. On the American continent, designers' interest in semiotics was expressed quite late through students and scholars from Ulm or by contamination from other fields—predominantly from literary studies.
This short historic note is not meant to be a rigorous account of names and events, but an explanation of the work that results from applying semiotics to design or from looking at design from the semiotic perspective. A certain turn in my life put me in the position of being able to devote several years to the issue. Consequently, I take credit for teaching semiotics to designers, for initiating courses for practicing designers who wanted to apply semiotics in their work, and for applying semiotic principles on my own to design work pertinent to computers and artificial intelligence (Nadin, 1986).
Design happens to be a rather unsettled field of human creativity, without critical method (and without methodic criticism), and without the means to construct one for itself. People who worked in typography, printing/printmaking, jewelry design, architecture, textile, heraldry, ceramics, fashion, and the arts started identifying themselves as designers less than a century ago. Design is a general concept, reflected in the underlying quality of objects, actions and representations which various people make possible in a given culture and within a value framework. To design means, among other things, to plan, to anticipate according to a devised course of events in view of a goal and under the influence of environment.
Björn Engholm (1984), in an article that deserves the attention of both designers and semioticians, referred to a time "Als man zu Design noch Gestaltung oder Formgebung sagte" (i.e., when design was still called Gestaltung or formation/form-giving). The shift in terminology he describes is taken a bit too seriously, to the extreme that, under new names, design products "identified as good" offend the eye. “In today's design, ideology is written in upper-case letters. American design or Italian design is no longer concerned with a subject, but with representation. Design degenerates into sign,” [translation mine].
In fact, the shift from paradigms of previous aesthetic and morphological theories to structure and, more recently, to sign proves far more influential than the change in terminology. In a broader perspective than the one Engholm suggests, we can ascertain that the relation to art, science, and technology defines the type of design. Let me apply this thesis to main schools of design that are representative of the evolution of our concept of design. I will use a simple diagramming procedure with the aim of characterizing these schools, and also show the dynamics of change. This is not a substitute for the theoretic analysis; it submits for discussion, preliminary results in order to present them as a working hypothesis. [Ler mais...]
References
Bense, Max (1970). Semiotik. Allgemeine Theorie der Zeichen. Baden-Baden: Agis.
— (1971). Zeichen und Design (Semiotische Ästhetik). Baden-Baden: Agis.
Englholm, Björn (1984) Politik und Sprache, in Form 1 (1984) 6-7).
Jakobson, Roman (1967). Satructure of Language and its Mathematical Aspects, in Essais de linguistique generale. Paris: Editions de Minuit, pp. 87-99.
Maldonado, Tomas (1967). Visual Signs in Operative and Persuasive Communication, in UPPERCASE 5 (Theo Crosby, Ed.). Tonbridge, Kent: Whitefriars.
Matthews, Robert (1986). Talking your language, in Design 8, 40/1.
Mukarovsky, Jan (1936, 1979). Aesthetic Function, Norm, and Value as Social Facts. Ann Arbor: The University of Michigan, Slavic Languages Department.
Nadin, Mihai (1984). On the Meaning of the Visual, in Semiotica 3/4, pp. 335-377.
— (1986). Visual Semiosis Applied to Computer Graphics, in ASEE Conference Proceedings, pp.498-501.
Simon, Herbert (1982). The Sciences of the Artificial. Cambridge MA: MIT Press.
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Work in Progress
Utilizando os novos meios comunicativos que a Internet põe ao nosso dispor, a ideia é recolher, articulados na minha própria página, trabalhos na sua maioria realizados pelos alunos das cadeiras que lecciono, História e Filosofia da Educação e Seminário Temático. O objectivo é, não só manter a ligação dos alunos à faculdade e da faculdade aos antigos alunos, como colocar os materiais que forem sendo produzidos ao dispor de todos aqueles que deles se possam querer servir, noutros lugares e noutros tempos. Articulados na minha própria página, os materiais aqui recolhidos ficam disponíveis e abertos a uma incessante tarefa de aperfeiçoamento, quer pelas novas gerações de estudantes, quer por todos aqueles que, tendo acesso a este Work in Progress, com ele queiram colaborar.
Como? Enviando-me a mim (Olga Pombo) - opombo@fc.ul.pt - ou aos vários autores dos trabalhos, em cada caso devidamente identificados - veja-se a rubrica Quem somos nós? que faz parte de todos - as sugestões, as críticas, as correcções, os acrescentamentos, os desenvolvimentos que julguem oportunos. Como compreenderão, essa colaboração, que antecipadamente se agradece, será a manifestação do interesse real que esta iniciativa possa merecer.
O objectivo é dar corpo a um gesto simbólico da própria essência da Escola: a colaboração entre gerações no esforço continuado da construção do conhecimento e da cultura
Como? Enviando-me a mim (Olga Pombo) - opombo@fc.ul.pt - ou aos vários autores dos trabalhos, em cada caso devidamente identificados - veja-se a rubrica Quem somos nós? que faz parte de todos - as sugestões, as críticas, as correcções, os acrescentamentos, os desenvolvimentos que julguem oportunos. Como compreenderão, essa colaboração, que antecipadamente se agradece, será a manifestação do interesse real que esta iniciativa possa merecer.
O objectivo é dar corpo a um gesto simbólico da própria essência da Escola: a colaboração entre gerações no esforço continuado da construção do conhecimento e da cultura
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13/02/2009
Gestalten
Gestalten specializes in developing content for aficionados of cutting-edge visual culture worldwide.
The company is best known for the more than two hundred fifty books we have published that document and anticipate vital design movements for our own title list as well as customer publishing projects. Gestalten also provides Curation, Art Direction, Consulting, Production, Distribution and Design Services to international clients such as Volkswagen and Diesel.
Always working directly with talented young designers and artists, Gestalten brings a deep understanding of visual culture on a global level to whatever we do and remains firmly committed to presenting visual trends with timeless substance. The company has 40 staff members through offices in Berlin, London, New York and Tokyo.
The company is best known for the more than two hundred fifty books we have published that document and anticipate vital design movements for our own title list as well as customer publishing projects. Gestalten also provides Curation, Art Direction, Consulting, Production, Distribution and Design Services to international clients such as Volkswagen and Diesel.
Always working directly with talented young designers and artists, Gestalten brings a deep understanding of visual culture on a global level to whatever we do and remains firmly committed to presenting visual trends with timeless substance. The company has 40 staff members through offices in Berlin, London, New York and Tokyo.
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12/02/2009
The Grid System
“ The grid system is an aid, not a guarantee.
It permits a number of possible uses and each
designer can look for a solution appropriate to his
personal style. But one must learn how to use the
grid; it is an art that requires practice. ”
Josef Müller-Brockmann
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It permits a number of possible uses and each
designer can look for a solution appropriate to his
personal style. But one must learn how to use the
grid; it is an art that requires practice. ”
Josef Müller-Brockmann
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11/02/2009
Semiótica
Origem: Wikipédia, a enciclopédia livre.
A Semiótica (do grego semeiotiké ou "a arte dos sinais") é a ciência geral dos signos e da semiose que estuda todos os fenômenos culturais como se fossem sistemas sígnicos, isto é, sistemas de significação. Ocupa-se do estudo do processo de significação ou representação, na natureza e na cultura, do conceito ou da idéia. Mais abrangente que a lingüística, a qual se restringe ao estudo dos signos lingüísticos, ou seja, do sistema sígnico da linguagem verbal, esta ciência tem por objeto qualquer sistema sígnico - Artes visuais, Música, Fotografia, Cinema, Culinária, Vestuário, Gestos, Religião, Ciência, etc.
"A semiótica é um saber muito antigo, que estuda os modos como o homem significa o que o rodeia."
A Semiótica (do grego semeiotiké ou "a arte dos sinais") é a ciência geral dos signos e da semiose que estuda todos os fenômenos culturais como se fossem sistemas sígnicos, isto é, sistemas de significação. Ocupa-se do estudo do processo de significação ou representação, na natureza e na cultura, do conceito ou da idéia. Mais abrangente que a lingüística, a qual se restringe ao estudo dos signos lingüísticos, ou seja, do sistema sígnico da linguagem verbal, esta ciência tem por objeto qualquer sistema sígnico - Artes visuais, Música, Fotografia, Cinema, Culinária, Vestuário, Gestos, Religião, Ciência, etc.
"A semiótica é um saber muito antigo, que estuda os modos como o homem significa o que o rodeia."
10/02/2009
ABCDARCO'09
ABCDARCO, editado por VOCENTO, es el periódico oficial de ARCO, feria internacional de arte de Madrid, que sustituyó en 2004 a El Correo de ARCO, editado desde 1998.
Actualmente se distribuye de manera gratuita en el recinto ferial de IFEMA del 15 al 19 de febrero y encartado con el diario ABC en la edición de la Comunidad de Madrid. Con un cuidado diseño en 16 páginas a color y en formato bilingüe (español e inglés), ABCDARCO quiere reflejar los aspectos más destacados de ARCO a través de sus variadas secciones y gracias a la labor de un dedicado equipo de profesionales. Como uno de sus aspectos más destacados hay que señalar la contribución en cada número de firmas de prestigio nacional e internacional.
Diariamente, ABCDARCO pone de manifiesto cuanto acontece en el principal evento artístico de nuestro país y uno de los más importante del mundo, desde diferentes perspectivas, combinando su afán informativo con su vocación crítica.
Hoy día, nuestro medio se ha convertido en un documento incomparable sobre la reciente historia de ARCO, plataforma de análisis de su presente y aliado en sus aspiraciones de futuro.
Actualmente se distribuye de manera gratuita en el recinto ferial de IFEMA del 15 al 19 de febrero y encartado con el diario ABC en la edición de la Comunidad de Madrid. Con un cuidado diseño en 16 páginas a color y en formato bilingüe (español e inglés), ABCDARCO quiere reflejar los aspectos más destacados de ARCO a través de sus variadas secciones y gracias a la labor de un dedicado equipo de profesionales. Como uno de sus aspectos más destacados hay que señalar la contribución en cada número de firmas de prestigio nacional e internacional.
Diariamente, ABCDARCO pone de manifiesto cuanto acontece en el principal evento artístico de nuestro país y uno de los más importante del mundo, desde diferentes perspectivas, combinando su afán informativo con su vocación crítica.
Hoy día, nuestro medio se ha convertido en un documento incomparable sobre la reciente historia de ARCO, plataforma de análisis de su presente y aliado en sus aspiraciones de futuro.
09/02/2009
Lucia Santaella
Lucia Santaella é professora titular da PUCSP com doutoramento em Teoria Literária na PUCSP em 1973 e Livre-Docência em Ciências da Comunicação na ECA/USP em 1993. É Diretora do CIMID, Centro de Investigação em Mídias Digitais, da PUCSP e Coordenadora do Centro de Estudos Peirceanos (Grupo de pesquisa cadastrado no CNPq). Coordenou o lado brasileiro do projeto de pesquisa Probral (Brasil-Alemanha/Capes-DAAD, 2000-2003) sobre relações entre palavra e imagem nas mídias. Coordenou ainda três outros projetos de pesquisa coletiva de grande porte: “ Imagens Técnicas: do mundo industrial-mecânico ao eletrônico-pós-industrial”, convênio PUC/SP-FINEP, 1989-1991; o projeto de pesquisa temático sobre “O Advento de Novas Tecnologias e Novas Gramáticas da Sonoridade”, financiado pela FAPESP, de 1992 a 1995; o projeto coletivo, modalidade multiusuários, “Produção e Difusão da Pesquisa Científica na Era Digital”, financiado pela FAPESP, 1999-2002. [Ler mais...]
29/01/2009
UBI _Livros Labcom
Livros Labcom é um projecto editorial que disponibiliza em PDF todos os livros publicados pelo LabCom: Laboratório de Comunicação On-line, um espaço física e virtualmente afecto ao Departamento de Comunicação e Artes da Universidade da Beira Interior.
Ao mesmo tempo que se empenha em explorar esta nova via do on-line como território de publicação e divulgação de obras de carácter científico, este projecto não descura os amantes do papel, mantendo a possibilidade de aquisição das versões impressas, que serão de agora em diante produzidas on demand, ou seja, em função dos pedidos que nos sejam dirigidos.
Ao mesmo tempo que se empenha em explorar esta nova via do on-line como território de publicação e divulgação de obras de carácter científico, este projecto não descura os amantes do papel, mantendo a possibilidade de aquisição das versões impressas, que serão de agora em diante produzidas on demand, ou seja, em função dos pedidos que nos sejam dirigidos.
27/01/2009
Les Arts Décoratifs
Organisme privé, association loi 1901 reconnue d’utilité publique, Les Arts Décoratifs furent créés en 1882 dans le sillage des Expositions universelles par des collectionneurs soucieux de valoriser les beaux-arts appliqués et de tisser des liens entre industrie et culture, création et production.
Longtemps connus sous la dénomination Union centrale des arts décoratifs (Ucad), Les Arts Décoratifs ont modernisé leur image en décembre 2004 en restant fidèles à leur vocation d’origine : exercer des missions de conservation des collections et de diffusion culturelle, d’éducation artistique et de formation de professionnels, de soutien à la création.
Les différentes composantes des Arts Décoratifs sont réparties sur trois sites à Paris :
> au 107 rue de Rivoli, les ailes de Rohan et de Marsan du palais du Louvre abritent le musée des Arts décoratifs, le musée de la Mode et du Textile, le musée de la Publicité, la bibliothèque des Arts décoratifs
> au 63 rue de Monceau, l’hôtel Camondo accueille le musée Nissim de Camondo
> au 266 boulevard Raspail est installée en 1988 l’école Camondo (appellation née d’une implantation antérieure dans les communs de l’hôtel Camondo), spécialisée dans le design et l’architecture intérieure.
Les Ateliers du Carrousel, ateliers de pratique artistique, sont présents sur ces trois sites.
Institution originale et plurielle, Les Arts Décoratifs poursuivent les objectifs qui ont présidé à leur fondation, « entretenir en France la culture des arts qui poursuivent la réalisation du beau dans l’utile » et maintiennent des liens étroits avec le monde industriel, établissant de nombreux partenariats avec des entreprises exerçant leurs activités dans des domaines variés.
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Longtemps connus sous la dénomination Union centrale des arts décoratifs (Ucad), Les Arts Décoratifs ont modernisé leur image en décembre 2004 en restant fidèles à leur vocation d’origine : exercer des missions de conservation des collections et de diffusion culturelle, d’éducation artistique et de formation de professionnels, de soutien à la création.
Les différentes composantes des Arts Décoratifs sont réparties sur trois sites à Paris :
> au 107 rue de Rivoli, les ailes de Rohan et de Marsan du palais du Louvre abritent le musée des Arts décoratifs, le musée de la Mode et du Textile, le musée de la Publicité, la bibliothèque des Arts décoratifs
> au 63 rue de Monceau, l’hôtel Camondo accueille le musée Nissim de Camondo
> au 266 boulevard Raspail est installée en 1988 l’école Camondo (appellation née d’une implantation antérieure dans les communs de l’hôtel Camondo), spécialisée dans le design et l’architecture intérieure.
Les Ateliers du Carrousel, ateliers de pratique artistique, sont présents sur ces trois sites.
Institution originale et plurielle, Les Arts Décoratifs poursuivent les objectifs qui ont présidé à leur fondation, « entretenir en France la culture des arts qui poursuivent la réalisation du beau dans l’utile » et maintiennent des liens étroits avec le monde industriel, établissant de nombreux partenariats avec des entreprises exerçant leurs activités dans des domaines variés.
…
17/01/2009
Luc Devroye
History of type
Biography. Born in Tienen, Belgium, too long ago. Grew up in Tienen and went to the University of Leuven (Belgium). Got married to Bea. Studied for two years at Osaka University (Japan). Obtained a Ph.D. degree from the University of Texas in 1976 under the supervision of Terry Wagner, with a thesis entitled Nonparametric Discrimination and Density Estimation. Joined the School of Computer Science at McGill University in 1977 as a young snotnose, and found academic freedom and cybercover from conservative forces in 2006 at the Computational Geometry Lab of Carleton University, Ottawa. Never had another job. Thanks to a wonderful bunch of students and colleagues all over the world, still hanging in there. Will never retire. Read this piece by Julius Grey or this quote by Walter Crowley to understand Luc.
Luc Devroye
School of Computer Science
McGill University
Montreal, Canada H3A 2K6
lucdevroye@gmail.com
http://cg.scs.carleton.ca/~luc/index.html
http://cg.scs.carleton.ca/~luc/fonts.html
Biography. Born in Tienen, Belgium, too long ago. Grew up in Tienen and went to the University of Leuven (Belgium). Got married to Bea. Studied for two years at Osaka University (Japan). Obtained a Ph.D. degree from the University of Texas in 1976 under the supervision of Terry Wagner, with a thesis entitled Nonparametric Discrimination and Density Estimation. Joined the School of Computer Science at McGill University in 1977 as a young snotnose, and found academic freedom and cybercover from conservative forces in 2006 at the Computational Geometry Lab of Carleton University, Ottawa. Never had another job. Thanks to a wonderful bunch of students and colleagues all over the world, still hanging in there. Will never retire. Read this piece by Julius Grey or this quote by Walter Crowley to understand Luc.
Luc Devroye
School of Computer Science
McGill University
Montreal, Canada H3A 2K6
lucdevroye@gmail.com
http://cg.scs.carleton.ca/~luc/index.html
http://cg.scs.carleton.ca/~luc/fonts.html
11/01/2009
Convergências _ESART
A Convergências - Revista de investigação e ensino das artes é uma publicação on-line semestral com uma versão anual em papel. Todos os anos a revista será publicada no mês de Março e Novembro na internet e em Janeiro na versão em papel. Trata-se de uma revista de investigação científica que visa constituir-se como uma interface de partilha de informação/conhecimento entre docentes, investigadores, designers, músicos e outros artistas.
Editorial
Sendo a disseminação do conhecimento um dos desafios que se colocam ao ensino superior, no contexto de uma sociedade cada vez mais globalizada, tem vindo a Escola Superior de Artes Aplicadas (ESART) a editar, em edições IPCB, diversas obras na área das artes visuais e da música, quer em suporte de papel, quer em suporte electrónico. (...)
Editorial
Sendo a disseminação do conhecimento um dos desafios que se colocam ao ensino superior, no contexto de uma sociedade cada vez mais globalizada, tem vindo a Escola Superior de Artes Aplicadas (ESART) a editar, em edições IPCB, diversas obras na área das artes visuais e da música, quer em suporte de papel, quer em suporte electrónico. (...)
06/01/2009
História do design de veículos automóveis em Portugal
autor Rufo, Emanuel Conde
orientador Silva, Rui Ramos Ferreira e
Pinto, Carlos Alberto Ferreira Aguiar
data 2007
tipo Dissertação de mestrado
assunto Indústria automóvel / Indústria automóvel / Automóveis / Automóveis
departamento Departamento de Comunicação e Arte, Universidade de Aveiro
resumo O presente estudo, aborda o tema da história do design automóvel em Portugal. No entanto será difícil compreender este conceito sem conhecer as variáveis que estão por detrás desta prática, a sua evolução mundial, desde o seu aparecimento até aos nossos dias. Propõe-se um percurso baseado nas diferentes evoluções do design automóvel, desde a sua invenção até à actualidade, evidenciando as diferentes abordagens formais dependentes da cultura em causa, e do tempo em que foram desenvolvidas. Conhecidos os pressupostos do design automóvel a nível geral, é feita uma abordagem em termos de evolução estético-formal. Seguidamente, o estudo centra-se no design automóvel em Portugal, onde se destacam algumas tentativas feitas ao longo do século para que o automóvel português se tornasse uma realidade. Deve referir-se que, retirando o exemplo do Sado 550 e do UMM, que atingiram relativo sucesso na década de 70, foi na indústria de construção de autocarros que se conseguiu evoluir e criar produtos inovadores capazes de concorrer ao melhor nível com outros produtos estrangeiros. Desde os anos 30 que surgiram diversas empresas ligadas à construção de carroçarias para autocarros. Se algumas não conseguiram evitar o encerramento, outras foram evoluindo, tornando-se em empresas com grande qualidade e capacidade para inovar esteticamente. Por fim, no estudo de caso da Salvador Caetano, depois de feita a evolução histórica da marca, revela-se um processo produtivo exemplificativo. Segue-se a descrição da prática do design na empresa, fazendo uma caracterização formal dos autocarros desde os anos 50 até aos nossos dias. Para a elaboração deste trabalho, recorreu-se a alguma bibliografia existente, e ao testemunho de algumas pessoas com grande conhecimento em algumas matérias abordadas. Contudo, o trabalho reflecte uma tentativa pessoal de caracterização de episódios estéticos que foram acontecendo ao longo do tempo.
The present study concentrates on the subject of the history of car design in Portugal. However, it is difficult to understand this concept without knowing the variables that are behind of this practical, its world-wide evolution, since its appearance until our days. The different evolutions of car design are considered since its invention until the actuality, evidencing the different formal tendencies depending on the culture in cause, and the time where they had been developed. Taking formal concepts of car design, an overview of aesthetics is made. Then, the study focuses on car design in Portugal, namely on the attempts in the last century made for the Portuguese automobile to became a reality. However, apart from the example of Sado 550 and the UMM, that had reached relative success in the decade of 1970s; it was in the industry and construction of buses that created innovative products capable to concur at the best level with foreign products. Since 1930s, many companies involved in the construction of bodywork bus have appeared. If some soon closed, others evoluted become companies with great quality and capacity to innovate in aesthetics. Finally, the case-study of Salvador Caetano, after describing the historical evolution of the mark, the process demonstrates a productive process. The characterization of the design practice in the company is made following a formal characterization of the bus industry since the 1950s until our days. For the elaboration of this work, some existing bibliography was used, as also as interviews with people having great knowledge in the field. However, the work shows a personal attempt of characterization of aesthetic episodes that had been happening throughout the time.
orientador Silva, Rui Ramos Ferreira e
Pinto, Carlos Alberto Ferreira Aguiar
data 2007
tipo Dissertação de mestrado
assunto Indústria automóvel / Indústria automóvel / Automóveis / Automóveis
departamento Departamento de Comunicação e Arte, Universidade de Aveiro
resumo O presente estudo, aborda o tema da história do design automóvel em Portugal. No entanto será difícil compreender este conceito sem conhecer as variáveis que estão por detrás desta prática, a sua evolução mundial, desde o seu aparecimento até aos nossos dias. Propõe-se um percurso baseado nas diferentes evoluções do design automóvel, desde a sua invenção até à actualidade, evidenciando as diferentes abordagens formais dependentes da cultura em causa, e do tempo em que foram desenvolvidas. Conhecidos os pressupostos do design automóvel a nível geral, é feita uma abordagem em termos de evolução estético-formal. Seguidamente, o estudo centra-se no design automóvel em Portugal, onde se destacam algumas tentativas feitas ao longo do século para que o automóvel português se tornasse uma realidade. Deve referir-se que, retirando o exemplo do Sado 550 e do UMM, que atingiram relativo sucesso na década de 70, foi na indústria de construção de autocarros que se conseguiu evoluir e criar produtos inovadores capazes de concorrer ao melhor nível com outros produtos estrangeiros. Desde os anos 30 que surgiram diversas empresas ligadas à construção de carroçarias para autocarros. Se algumas não conseguiram evitar o encerramento, outras foram evoluindo, tornando-se em empresas com grande qualidade e capacidade para inovar esteticamente. Por fim, no estudo de caso da Salvador Caetano, depois de feita a evolução histórica da marca, revela-se um processo produtivo exemplificativo. Segue-se a descrição da prática do design na empresa, fazendo uma caracterização formal dos autocarros desde os anos 50 até aos nossos dias. Para a elaboração deste trabalho, recorreu-se a alguma bibliografia existente, e ao testemunho de algumas pessoas com grande conhecimento em algumas matérias abordadas. Contudo, o trabalho reflecte uma tentativa pessoal de caracterização de episódios estéticos que foram acontecendo ao longo do tempo.
The present study concentrates on the subject of the history of car design in Portugal. However, it is difficult to understand this concept without knowing the variables that are behind of this practical, its world-wide evolution, since its appearance until our days. The different evolutions of car design are considered since its invention until the actuality, evidencing the different formal tendencies depending on the culture in cause, and the time where they had been developed. Taking formal concepts of car design, an overview of aesthetics is made. Then, the study focuses on car design in Portugal, namely on the attempts in the last century made for the Portuguese automobile to became a reality. However, apart from the example of Sado 550 and the UMM, that had reached relative success in the decade of 1970s; it was in the industry and construction of buses that created innovative products capable to concur at the best level with foreign products. Since 1930s, many companies involved in the construction of bodywork bus have appeared. If some soon closed, others evoluted become companies with great quality and capacity to innovate in aesthetics. Finally, the case-study of Salvador Caetano, after describing the historical evolution of the mark, the process demonstrates a productive process. The characterization of the design practice in the company is made following a formal characterization of the bus industry since the 1950s until our days. For the elaboration of this work, some existing bibliography was used, as also as interviews with people having great knowledge in the field. However, the work shows a personal attempt of characterization of aesthetic episodes that had been happening throughout the time.
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